Des paysages marins ancrés dans le [ sable ], ancrés dans le souvenir d'un instant unique partagé au naturel. Tel un socle ou cumulus, le souvenir construit notre vie, il est le témoignage et la base de nos visions à venir. Ce paysage marin se transforme parfois dans le temps en paysage humain aux allures d'architecture urbaine. Des portraits autour de la mer, du corail, d'une vie végétale, d'une brume, d'un port, d'un phare, d'une plage, d'un navire autant de souvenirs à venir.

Découvrir cette exposition [ sable ]

30 tableaux en exposition location dans le Centre d’Affaires EMERGENCE à Paris Opéra.

Une mise en valeur des locaux professionnels d'une société par des oeuvres originales et colorées ...

Ce diptyque composé de deux tableaux d'une dimension de 40x40 cm et 80x40 cm est une création sur mesure, une oeuvre originale destinée à la vente en milieu professionnel. Cette oeuvre est exposée en entreprise pour renforcer l'image de marque de cette société en conseil et communication. www.adinteractive.fr

Ad Interactive accompagne ses clients pour concevoir et orchestrer une relation interactive* entre la marque et ses publics et/ou une relation transactionnelle entre un produit et ses consommateurs par le biais d´applications multicanal.

* La relation interactive : relation créant un flux continu d´informations entre l´émetteur (annonceur, marque, produit) et le récepteur (clients, prospects, publics) d´un message. L´analyse et la gestion des données échangées permettent de créer une valeur nouvelle (audience et image en communication / informations clients en marketing).

Les cieux et les flots, il les avait à portée de pinceau. C'était sa manière à lui de dompter l'univers, ou plutôt de l'étreindre. «Vers le large», dit l'une de ses toiles quand trios autres chantent un «Hymne au soleil», inventent «L'arbre de mer» ou invoquent «Les trois ciels».

Largeur et hauteur de vue. Jean-François Comment cultivait donc l'une et l'autre. Pour s'en convaincre, il suffit d'aller sur le site: jfcomment.com. Soit un musée virtuel consacré au peintre jurassien et récemment créé par son fils Bernard Comment.

Très bien conçu, documenté et illustré, ce «musée» riche de 300 peintures à l'huile, de 200 aquarelles et de plusieurs dizaines de vitraux , annonce la création très prochaine d'une fondation dédiée à Jean-François Comment, décédé en 2002, à 83 ans.

Retour sur la vie artistique du peintre en compagnie de son fils Bernard.

swissinfo: Comment vous est venue l'idée de ce musée virtuel?

Bernard Comment: C'est l'écrivain français François Bon, un des pionniers dans le domaine d'Internet, qui m'a encouragé à créer ce site. L'œuvre de mon père est immensément riche. La reproduire dans un livre est donc impensable. Cela nécessiterait des milliers de pages et le livre serait impossible à commercialiser, question coût et volume.

Je me suis donc dit qu'un musée virtuel donnerait un avant goût de la fondation consacrée à mon père, qui sera prochainement mise sur pied. En attendant, le site permet de découvrir un maximum de pièces, sans restrictions et sans contraintes. Les visiteurs peuvent télécharger les images gratuitement. Il n'y a aucune finalité commerciale: pas de vente d'œuvres, pas de taxation non plus.

swissinfo: Pensez-vous que Jean-François Comment fût suffisamment honoré de son vivant?

B.C: Oui, absolument. La Confédération a d'ailleurs acquis plusieurs de ses tableaux, très beaux. Je ne pense pas qu'on puisse se plaindre de son destin. Il est vrai que son choix de rester et de travailler dans sa ville natale, Porrentruy, à laquelle il était très attaché, l'a en quelque sorte éloigné des circuits qui font les carrières internationales: Paris, Londres, New-York et même Zurich.

Mais bon, mon père avait un caractère entier, assez renfermé et au fond très orgueilleux. Il pensait que son œuvre devait se suffire à elle-même. En tout cas, il a su imposer son nom et a pu vivre de son travail.

swissinfo: A-t-il bénéficié d'une véritable reconnaissance à l'étranger?

B.C: Disons que l'essentiel de sa carrière s'est fait en Suisse. Ce qui ne l'a pas empêché d'être exposé en France, en Grèce, en Allemagne, en Italie et même à Hong Kong et au Japon.

swissinfo: Telle que présentée sur le site Internet, son œuvre révèle un éclectisme surprenant. Les influences artistiques sont multiples: Picassso, Degas, Derain...

B.C: Oui, c'est vrai surtout pour les quinze premières années de son travail pictural, disons tout ce qui relève de la période figurative. Après, on entre dans une démarche qui est quand même plus personnelle, moins figurative, et qui se caractérise par une quête de la lumière. Ou plus précisément par la vibration de la couleur, singularité de Jean-François Comment.

L'écran d'Internet restitue d'ailleurs très bien cette vibration. Je pense que si mon père avait vécu en France, on l'aurait aujourd'hui rapproché de Serge Poliakoff ou de Jean Bazaine, deux artistes du XXe siècle un peu méconnus.

swissinfo: Une fondation est prévue comme vous l'avez dit. Quand et où prendra-t-elle place?

B.C: Je ne peux pas vous donner de date exacte, mais ce sera dans les prochaines semaines, à Porrentruy, bien sûr, ville natale de mon père. Nous avons trois lieux en vue: la maison Turberg, autrefois occupée par un artiste, les anciens entrepôts de la Coop ou alors les combles de l'Hôtel Dieu.

swissinfo, Ghania Adamo

Source www.swissinfo.ch 
Site officiel de Jean-François Comment

3 carrés + 2 bandes + 1 trait = une grille de 19 x19 cases
Une formule toute simple pour décrire et décrier l'art accessible à décrire et facile à décrier

Pour découvrir et réagir à une oeuvre d'art accessible et facile à décrire et à décrier

Le mythe de l'artiste maudit lui colle à la peau. Amedeo Modigliani est mort jeune. Il a eu une vie douloureuse et une fin plus pathétique encore. Il y a sa légende d'alcoolique tuberculeux aux colères terribles et aux amours passionnées. Il y a son destin tragique qui l'a entraîné de chute en échec vers une déchéance misérable, vers la mort. Il portait la poisse à ceux qui l'approchaient : le lendemain de sa mort, sa compagne, Jeanne Hébuterne, enceinte de huit mois, se suicide en sautant du cinquième étage, laissant une petite Jeanne orpheline. Ce drame a bouleversé et forgé la légende : ce bel ange déchu ne pouvait qu'être un grand peintre. Ses toiles, en effet, seront adulées du grand public (tout particulièrement des Japonais qui en raffolent). Mais elles seront considérées avec condescendance par les historiens de l'art : Modigliani, comme la quasi-totalité des peintres de l'école de Paris à laquelle on le rattache, n'a joué aucun rôle dans l'évolution de l'art moderne. Le voilà étiqueté : Modi est un peintre « facile ». A Madrid, l'actuelle exposition de la Fondation Thyssen, en confrontant Modigliani à ses contemporains, tente de redonner sa juste place à l'artiste à contre-courant des modes.

La vie de peintre de Modigliani fut brève. Brève mais intense. Il est arrivé à Paris en 1906. Il est mort par une froide matinée de janvier 1920 à l'hôpital de la Charité. Quatorze années, ce n'est pas beaucoup lorsqu'on débarque à Paris à 22 ans, à peine sorti de la Scuola di Nudo Libero de Florence, avec un détour par Venise. Surtout lorsque la maladie s'en mêle, une tuberculose qui ne lui laissera aucune chance, et que s'y ajoutent l'alcool et la drogue. A Paris, il s'installe à Montmartre, près du Bateau-Lavoir. Modigliani ne louche pas vers l'avant-garde. Bien au contraire : il pastiche successivement Steinlen, Toulouse-Lautrec, les néo-impressionnistes. A l'époque, il est pourtant en contact quotidien avec Picasso et sa bande, il va assister « en direct » à la naissance du cubisme. Cela ne semble pas l'avoir exalté, ni même intéressé. En fait, il ne se mêlait guère aux autres artistes. Les concepts intellectuels en peinture ne devaient pas le passionner et pas davantage l'idée de faire partie d'un groupe. Toute sa vie Modigliani sera un artiste solitaire, il se débat seul avec ses chimères et se perd dans le labyrinthe de ses tentatives réussies ou avortées. Ses amis à lui, ce sont Utrillo, Soutine et Kisling. Il y avait entre eux une fraternité de paumés, de laissés-pour-compte, d'ivrognes, mais aucun de ces échanges intellectuels comme il y en eut tant entre Derain et Matisse, ou Picasso et Braque.

Fin 1909, Modigliani quitte Montmartre pour s'installer à Montparnasse, cité Falguière. C'est là qu'il va faire la connaissance d'un jeune sculpteur roumain dont on commence à parler beaucoup à Paris, Constantin Brancusi. Sous son influence, Modi délaisse un temps la peinture pour la sculpture. Il va créer d'étranges statues hiératiques, sortes de cariatides aux têtes oblongues, aux nez rectilignes et aux yeux allongés. Des 25 sculptures en pierre que compte son oeuvre, nous n'en voyons que quelques-unes à l'exposition mais accompagnées d'étranges et beaux dessins préparatoires. On le sent ici influencé par l'art africain que tous les peintres, Matisse et Picasso en tête, découvrent alors et avec lequel Modigliani est en contact grâce à la collection de son ami et mécène Paul Alexandre. Mêlé à l'influence de Brancusi, c'est à l'art baoulé de la Côte d'Ivoire que Modigliani va emprunter ses élégantes déformations, qui nous apparaissent aujourd'hui comme la marque même de son style : figures de femmes au cou de cygne, yeux bridés en amande sous des sourcils fortement arqués au-dessus de la ligne longue et droite du nez, obsession de l'ovale. Ces manies se font plus discrètes quand Modigliani s'attaque à un modèle masculin (visages de Soutine, de Kisling, de Zborowski, de Juan Gris, de Max Jacob). Quand il reviendra à la peinture, ses portraits seront une transposition de ses sculptures des deux années précédentes.

De 1910 à 1913, Modigliani ne peindra que 10 toiles (et pas une seule en 1912). Cette période est pourtant la plus maîtrisée, la plus inventive de sa carrière. C'est aussi celle de sa liaison avec Béatrice Hastings, une poétesse anglaise, alcoolique et désaxée : on les appelle les amants terribles de Montparnasse. Leurs disputes, leurs hurlements quand ils rentrent saouls, exaspèrent les voisins. D'elle, il va laisser des portraits où il semble se répéter. Pourtant, malgré leur similitude un peu agaçante, on ne peut qu'être frappé par l'élégance de ces toiles. Berthe Weill lui organise une exposition. Qui tourne mal : ses nus, aux contours mélodieux, d'une délicate teinte abricot, font scandale. Le commissaire de police du quartier demande qu'on les retire de la vitrine pour offense à la pudeur. Quand Modigliani quittera Béatrice pour Jeanne Hébuterne, une douce et timide jeune femme surnommée « Noix de coco », il abordera la période la plus tendre de son existence. Mais sur le plan artistique, l'état de grâce est fini. Il faut être poète, comme Le Clézio, pour trouver encore quelque magie à cette suite d'effigies répétitives : « Modigliani est, avec Gauguin et Van Gogh, l'un de ces peintres qui se sont approchés au plus près de la source de l'art, qui est magique et rituelle... Il y a l'âme du chaman dans ce juif italien séduisant et ténébreux. »

C'est joliment écrit, mais c'est faux. Modigliani est un artiste singulier, mais bien autrement qu'on ne l'a dit. Ce n'est pas sa vie hantée de prince ivrogne, usé par la drogue, consumé par la misère qui fait de lui un « artiste maudit », c'est sa peinture trop facile, trop conventionnelle, trop répétitive, placée résolument en marge des grands problèmes de l'art de son temps. Le manque d'intérêt de Modigliani pour les recherches picturales qui ont marqué son époque le condamne à s'attarder dans des formules interchangeables qui le désignent comme un peintre secondaire. Sa dernière oeuvre sera un autoportrait : on y voit Modigliani qui prend la pose, la tête rejetée en arrière, la palette à la main. Mais le regard est vide. Un adieu pathétique.
Véronique Prat
Article et source lefigaro.fr
Pour agrandir la photo | source wikipedia

Selon les commissaires de l'exposition, baptisée "Musée martien d'art terrestre", le recours aux extraterrestres permet d'interpréter des oeuvres contemporaines sans le carcan de l'histoire de l'art.

200 oeuvres --dont des sculptures, des vidéos, des photographies et des tableaux-- sont exposées, allant des années 1960 à nos jours. Près d'une centaine d'artistes sont présents, parmi lesquels l'Américain Andy Warhol, la plasticienne française Annette Messager ou le Britannique Damian Hirst, l'artiste contemporain le plus coté sur le marché de l'art.

Une dizaine d'oeuvres sont exposées pour la première fois et ont été créées à cette occasion.

"L'idée de présenter l'art contemporain en prenant le point de vue des Martiens est née du livre +Kant après Duchamp+ de Thierry De Duve, historien de l'art" a expliqué à l'AFP Lydia Yee, l'une des commissaires. "Cette exposition repose sur un concept sérieux et en même temps nous voulions faire quelque chose de ludique", a affirmé Francesco Manacorda, autre responsable de l'exposition.

L'artiste américaine Sherrie Levine réserve un hommage à l'artiste français Marcel Duchamp avec sa "Fontaine:5" (1996) en bronze, identique à l'urinoir. La sculpture en néon de Bruce Nauman représente son propre nom "comme s'il était écrit à la surface de la Lune", selon le titre de l'oeuvre.

Entre 20.000 et 55.000 visiteurs sont attendus pour cette exposition, qui se tient du 6 mars au 18 mai 2008.

Une oeuvre de l'artiste Matthew Day Jackson intitulée "Apollo (After Beuys)", exposée à la galerie Barbican à Londres, le 5 mars 2008

Source AFP GOOGLE

Des traits des mots des portraits violents et touchants | des cartons des coups purs des regards entre Odéon et Frangipane Des codes Des explications là où il n'en faut pas pour moi Pourquoi ?

Photo et site officiel neïla serrano

Associer des faits autobiographiques à la vie politique environnementale sans pour autant prétendre à une analyse contradictoire à la recherche d'explication rationnelle. Une peinture, une cohésion, une construction d'un socle, d'un habitat figuratif à la recherche d'une refonte de la figuration dans l'abstraction au travers de portraits abstraits, de féminité, de pureté, de pigments masculins, de flou, de velours, de détails voilés de la vie ...

Pour découvrir cette refonte entre figuration et abstraction [ Abstraction ]

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Ses créations, typiquement chinoises, montrent des groupes familiaux clairsemés, fagiles et délicats, et illustrent parfaitement les traces que la Révolution Culturelle a laissées sur sa génération. Les personnages ont une présence indéniable, presque inquiétante. Ces oeuvres s'inspirent de l'uniformité imposée à l'époque qu'elles évoquent, et pourtant rendent sensibles l'univers intérieur occulté par l'apparence humaine. Le non-dit est là, égnimatique, se laissant à peine deviner derrière ce visage au regard fermé, évocateur d'histoires individuelles demeurées cachées.
Les personnages sont reliés par un constant fil rouge, lien de sang de cette lignée qui se rejoint ou prend sa source à la cité interdite comme la Clef de voute de la société chinoise.

Source et image de cet article galerieloft.com

Témoigner  en son âme et conscience d'un engagement si fort qu'il en devient une évidence, une nécessité absolue et universelle. Cet engagement pour le respect de notre planète doit prendre une dimension personnelle et spirituelle dans notre vie. La collectivité devrait instaurer un enseignement plus approfondi de notre chère terre et surtout de l'avenir que nous voulons lui donner. De l'avenir que nous voulons laisser au génération du futur. Croire en notre planète sera peut être notre paix religieuse, capable d'unir chacun de nous devant une responsabilité collective à vivre d'urgence dans notre quotidien.

Pour découvrir ce triptyque

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Karine Paoli est née et vit à Paris.

Depuis son adolescence jusqu’à aujourd’hui, sa démarche artistique consiste à immortaliser toutes les tranches de vie qui jalonnent son existence. Pour ce faire, son boîtier ne la quitte jamais …

Toutes ses photographies mises bout à bout sont les pièces d’un puzzle « vivant » en perpétuel mouvement… Où l’émotion est toujours présente, à fleur de peau, où le spectateur voyage dans l’intimité de son quotidien…

En avril 2008, elle vous fera partager son regard décalé sur la Tour Eiffel. Un clin d’œil au monument le plus visité au monde. En couleurs, colorisés (par un procédé de retouche par ordinateur), ou tout simplement en noir & blanc, ses clichés vont vous étonner par une vision toute à fait nouvelle de « Dame Eiffel»…

En effet, les différentes flaques d’eau, les étangs, sont autant de miroirs naturels reflétant la beauté de la Grande Dame de Fer… Les arbres aux couleurs de l’automne mettent également en valeur sa « dentelle » comme une robe de haute couture.

Cette exposition se déroulera au Terrass Hôtel (Unique hôtel 4 étoiles de Montmartre) du 22 avril au 29 juin 2008 – Vernissage le 5 juin à partir de 17h00.

Vous souhaitant un agréable moment, n’hésitez pas à aller sur son site, afin de retrouver son travail artistique : http://www.karinepaoli.com/

Les tableaux saturés d'allusions à la photographie des années 1960 côtoient des abstractions gestuelles, les monochromes gris sont au contact des toiles au chromatisme le plus intense, les portraits jouent avec les paysages. Jouent : le sentiment qui naît de la visite n'est pas celui d'une leçon d'histoire, encore moins d'une célébration solennelle, mais du plaisir de faire de la peinture de toutes les manières.

On est ici loin de l'image de l'artiste, celle d'un théoricien, taciturne et peu communicatif. Richter nous a reçus à Baden-Baden. On est frappé par ses yeux : très bleus, très clairs, très grands. L'artiste a lui-même assuré le commissariat de l'exposition. De là le désir de s'en expliquer avec lui, devant ses toiles.

Vous êtes le commissaire de votre exposition. Est-il facile d'être son propre historien ?
La question ne se pose pas en ces termes. L'exposition est faite avec des toiles venues de collections privées. J'ai agi sur leur accrochage, pas sur leur choix. Si l'ordre chronologique n'est pas respecté, c'est en raison des tailles des salles et de celles des toiles, mais c'est aussi parce que je voulais un accrochage esthétique et non didactique, en jouant avec l'architecture. Et que chaque salle soit comme une histoire, pour qu'un sens puisse s'en dégager.

C'est ainsi que vous placez côte à côte une femme nue peinte en noir et blanc, Olympia, et une toile abstraite de même format, elle aussi en noir et blanc.
Ce sont simplement deux tableaux qui se rapprochent. Le spectateur, les voyant ensemble, peut être aidé par le gris et le format à aller dans le sens de ce rapprochement. Sinon...

Sinon, il ne comprend pas cette diversité, cette peinture tantôt abstraite et tantôt figurative.

" Saul Leiter a réalisé ses premières photographies au début des années 1940 dans les rues de New York. Ce travail fut montré au Musée d’Art Moderne de New York en 1953 et en 1957. Pendant 20 ans il continua d’arpenter les rues, et son travail fut redécouvert bien plus tard, au milieu des années 1990. Il est aujourd’hui unanimement célébré. La Fondation HCB est heureuse de présenter pour la première fois en France une rétrospective de son oeuvre couleur et noir et blanc.

Saul Leiter n’était pourtant pas voué à devenir photographe. Né à Pittsburgh en 1923, fils d’un rabbin renommé, brillant étudiant en théologie à Cleveland, il décide à l’âge de 23 ans d’abandonner ses études et de s’installer à New York pour se consacrer à sa passion première – la peinture. Sous l’influence notamment du peintre Richard Pousette-Dart, il commence à s’intéresser à la photographie. En 1947, après avoir visité l’exposition de Cartier-Bresson au MoMA, il décide de devenir photographe. Il se procure un Leica et flâne dans les rues de New York, qu’il photographie dans un premier temps en noir et blanc. En 1948, il se tourne vers la couleur, et il alternera désormais entre les deux supports. En 1953, Steichen, alors conservateur en chef de la photographie au MoMA, sélectionne vingt-cinq de ses tirages noir et blanc pour l’exposition «Always the Young Stranger», puis en 1957, intègre une vingtaine de ses images couleur pour une conférence qu’il donne au MoMA : «Experimental Photography in Color».

Si ses photographies de rue sont aujourd’hui l’objet de sa renommée, Saul Leiter s’est pendant de longues années illustré en tant que photographe de mode : il y consacra la plus grande partie de sa carrière - de ses débuts en 1953 dans son studio de Bleeker Street, au milieu des années 1980. En 1957, Henry Wolf, directeur artistique légendaire, publia pour la première fois ses images dans le magazine Esquire, puis dans Harper’s Bazaar. Il devint dès lors l’un des grands photographes du milieu et travailla pour les magazines de mode les plus prestigieux.

Son travail de rue, plus personnel, n’a été redécouvert qu’à la fin des années 1990, grâce notamment à la Howard Geenberg Gallery (New York) qui organisa en 1993 une exposition de ses photographies noir et blanc, et à Martin Harrison, auteur en 2006 du premier ouvrage de Saul Leiter, « Early Color » (Steidl). La Howard Greenberg Gallery a depuis présenté maintes fois son travail, qui a acquis ces dix dernières années une sérieuse notoriété.

La Fondation HCB présente une centaine d’images couleur et noir et blanc réalisées de 1947 à la fin des années 1960, pour la plupart des tirages d’époque - les épreuves noir et blanc ont été réalisées par Saul Leiter lui-même - empruntés à la Saul Leiter à la Fondation HCB, 2 impasse Lebouis, 75014, Paris, 17 janvier – 13 avril 2008 – www.henricartierbresson.org 4 Howard Greenberg Gallery, et à des collections privées. Les deux univers, distincts et complémentaires, sont exposés séparément. Les noir et blanc, parmi lesquelles ses premières images, ont toutes été réalisées dans les rues de New York. Elles montrent des silhouettes en transit, des ombres, visions mystérieuses et indirectes entre romantisme et film noir. En couleur, à New York surtout, mais aussi à Paris, à Rome ou en Espagne, les tons, à la fois vifs et déteints, l’absence de contours stricts, font de ses photographies des oeuvres plastiques dans l’esprit des peintres Bonnard ou Vuillard, qu’il admire.

Saul Leiter a saisi un entre-deux-mondes délicat à mille lieux de la jungle urbaine qui lui servait de sujet. Un monde flottant, embué, dans une succession infinie de mises en abîmes, tendant volontiers vers l’expressionisme abstrait de ses peintures. Ses images métamorphosent la réalité pour créer un univers à la fois poétique, onirique et apaisant, sur lequel plane la douceur de la mélancolie.

Saul Leiter vit toujours à New York, où il continue de peindre et de photographier, dans la plus grande discrétion. " catalogue publié par Steidl : 100 images couleur et noir & blanc, 144 p., 30 € visuels libres de droit : pauline.vermare@henricartierbresson.org 

Dossier de presse et Source http://www.henricartierbresson.org
New York, 1954
© Saul Leiter / courtesy Howard Greenberg Gallery

Petite Bio sur Alberto Giacometti | Lors de la déclaration de la Seconde Guerre mondiale, il quitte Paris pour Genève. Ne disposant d'aucun atelier, Giacometti réalise des sculptures « semis » pouvant se ranger dans une grosse boîte d'allumettes. À la Libération, il revient à Paris avec Annette Arm (ils s'épouseront en 1949), retrouve son atelier, et ses sculptures « semis », sorties de leur boîte, croissent « naturellement ». À la recherche de la « vraie réalité », il dépouille ses personnages, les réduits à l'essentiel, les rend filiformes. Passant des heures dans son atelier à retoucher sans cesse le morceau d'argile auquel il ajoute de la matière pour mieux la creuser et en retirer le superflu (« Je ne dessine pas l'œil, je sculpte le regard »), au point que parfois, ses amis lui soustraient une œuvre qu'ils considèrent comme achevée quand Giacometti pense qu'il doit la recommencer.

Ce n'est qu'en 1947 qu'il montre ses dessins et ses sculptures ; effigies nues, allongées, étirées, creuses : Femmes de Venise, Homme qui marche...

À la fin de sa vie, Giacometti juge sévèrement sa période surréaliste. Il la considère comme « catastrophique, une impasse totale » et dénie à ses objets la moindre valeur. Alberto Giacometti meurt des suites d’un cancer à l’hôpital cantonal de Coire, en Suisse, le 11 janvier 1966. Son corps sera transféré à Borgonovo, dans le caveau de famille. Après une rétrospective en France au musée d’Art moderne de Paris en 1991, une exposition est actuellement visible au Centre Pompidou à Paris.

Citation

« Jusqu'en 1925, malgré mon intérêt pour l’art moderne, ce qui m’intéressait c’était la vision du monde extérieur. En 1925, je me suis rendu compte qu’il m’était impossible de reproduire une tête influencé par l’art moderne, j’ai subi une évolution. J’ai été successivement exotique, surréaliste, abstrait. En 1935, ayant tout oublié, j’ai éprouvé le besoin de faire des études d’après nature. »

Source wikipedia

Pourquoi une telle négligence, impensable sous l'oeuvre de la Joconde ?
- Un manque de moyens : impensable aux prix actuels des oeuvres d'art contemporains exposées au centre Pompidou de renomée internationale.
- Un laisser-aller : je n'ose croire que le responsable de cet étage ne soit un spécialiste et passioné fier des oeuvres qu'il expose, alors qu'il change de lunettes ou qu'il démissionne !

Plus sérieusement, je suis étonné de cette différence d'ambiance qui peut exister entre des oeuvres d'art contemporain et d'autres modernes ou plus anciennes. Le calme et la vigilence donne de la crédibilté, mais disparaissent au fur et à mesure que nous approchont d'oeuvres de notre temps ... Les parents laissent toucher, marcher leurs enfants sur les oeuvres sans que ces chers gardiens ne prennent la peine d'arrêter leur i-pod ou discussion sur "la dernière attrappée hier soir"

Alors pas étonnant que nos parents qui prennent la peine de passer 12 min à cet étage, n'est qu'un mot à la bouche : "alors ça, je fais pareil !"

Pour donner une crédibilité non élitiste aux oeuvres actuelles, cessons ces "laisser-aller" en tous genres ...
Ludovic Mar

(Unwinding) Corridor est exposé au niveau 4 du Centre Georges Pompidou à partir du 16 octobre 2007.

(Unwinding) Corridor est une succession de cinq cadres en néon blanc articulés entre eux, se déployant dans l’angle d’un mur et se détachant d’un fond monochrome noir. Cette construction utilise les matériaux fondamentaux que sont la lumière et la peinture pour occ uper l’espace de manière concrète et intangible à la fois. La morphologie de l’oeuvre change suivant les points de vue et le déplacement du spectateur. Prémices d’une maquette d’architecture en devenir ou bobine syncopée d’un film dont seule subsisterait la matrice, cette installation constitue également une tentative de réalisation d’un tableau-paysage.

La paintingBOX véritable boite en carton servant de [ BON pour cadeaux ] reste une valeur originale d'un cadeau réussi, il vous suffit de venir la chercher, de fixer le montant de votre cadeau ... PUIS de laisser la personne venir choisir son tableau sur mesure ...

L'artiste peintre ludovic mar vous invite à venir acheter les tableaux [ modernes contemporains abstraits originaux uniques et sur mesure ] qu'il a peint pour vous ou pour offrir comme cadeauxl ou pour décorer votre maison avec des couleurs chaudes ...

Volkan Diyaroglu est né en 1982 à Istanbul. Ce plasticien travaille sur des supports aussi divers que de très grandes toiles sur châssis, le papier ou le tissu. Il accorde une importance prépondérante au processus créatif, si bien que, pour lui, la valeur d'une œuvre réside plus dans sa création que dans le résultat du processus de production. Son travail laisse une grande place à la spontanéité. Déjà connu et apprécié dans son pays natal ainsi qu'en Espagne où il travaille depuis trois ans, il est arrivé en France pour sa première grande exposition personnelle à l'Abbaye de Maubuisson : Décalages, au printemps 2007.

www.postkaraoke.com

Une nouvelle série de tableaux [ Portrait urbain ] paysage de ville pour tableau abstrait mais contemporain ... Des oeuvres à voir à vendre et à acheter à l'exposition de la galerie d'art contemporain aromda l' abstrait sur mesure ...

Urbanisme | Art de construire, de transformer, d’aménager les villes au mieux de la commodité, suivant les règles de l’esthétique et de l’hygiène.

Portrait | Description qu’on fait de l’extérieur ou du caractère d’une personne.

Voir l'exposition DES oeuvres [ Portrait urbain ] à voir à vendre et à acheter ...

Le passage du blanc de la matière vers la couleur la densité ...
Une séparation et un lien : le peintre
le peintre et sa galerie
le peintre dans sa galerie
le peintre vers sa galerie
la galerie d'un peintre

Pour découvrir ce tableau [ un peintre en galerie ]

Pour découvrir la série [ avant | aprés ]

Un format 100x100 cm Un travail à l'huile sur des nuances de gris beige crème puis après cette mise à nue des couleurs, un voile acrylique de blanc pour retenir cette pudeur d'une ville humaine perchée sur son socle comme pour se protéger de ses habitants sans pour autant oublier cette douce brume du matin qui laissait apparaître cette envie de construction infinie ...
Ludovic Mar

Pour découvrir ce tableau [ ville humaine ]

Pour regarder l'exposition [ portrait urbain ]

Une série de tableaux [ Contemporain contre Contemporains ] stratégie de matières et de symboles mixtes ... Des oeuvres construites dans un style de photographie aléatoire et intuitive d'une position stratégique d'un jeu où chaque symbole simple se place dans le tableau avec un positionnement instantané de son reflet de matière ...

Exposition des oeuvres de cette SéRIE

Un homme en marche sur le destin de sa vie d'artiste peintre, un artiste dans la peinture de son reflet sur la toile figurative et pourtant si abstraite, un tableau rouge à la recherche de contrastes de couleurs prune carmin orange rose mélangées d'un flou entre ombre et lumière ...

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