SX-70 COLLECTOR LE MUST
Les appareils SX-70 Sonar vendus NE sont PAS neufs, mais la société [the impossible project] a fait son maximum pour les remettre en état, tant esthétiquement que sur le plan fonctionnel. Néanmoins nous ne pouvons éviter les légers défauts esthétiques liés à l'anciennté de ces appareils. Chaque appareil a été soigneusement emballé dans une boîte rembourrée parfaite pour un envoi partout dans le monde. Chaque appareil est livré avec un manuel de prise en main rapide, un CD Impossible.com plein d'infos sur le SX-70 a (manuel d'utilisation, articles, trucs et astuces) et une carte de garantie signée de Impossible.com. Un pola test effectué avec chaque appareil est inclus dans la boîte ainsi qu'un certificat prouvant son état parfait.

SX-70 sonar Black 230 euros
SX-70 sonar Silver 260 euros (ultra limité)

Pour réserver votre appareil polaroid

Pour découvrir ces lampes design

Non, le Polaroid n’est pas mort. En 2008, la marque a cessé la production de pellicule et boîtiers. Pourtant, cet objet n’a jamais été aussi tendance. Lors des défilés de prêt-à-porter printemps-été 2010, Benoît Peverelli, photographe de « Libération », a immortalisé l’atmosphère sophistiquée avec le fameux appareil instantané. Des sites Internet proposent de donner un « effet Polaroid » aux photos numériques. l’iPhone a développé une application, « Polarize », pour « polariser » ses photos. Les plus néophytes deviennent accros. Même les plus jeunes qui ne l’ont pas connu. Jusqu’au fameux bruit, le fameux « clic, bzzz, shlack », caractéristique de l’appareil, repris dans les applications numériques
L’histoire commence en 1944, aux États-Unis. Un scientifique, Edwin Land, à la tête de Polaroid Corporation — société spécialisée dans les verres solaires — décide de mettre au point un appareil à développement instantané, pour faire plaisir à sa fille qui pleurniche de ne pas pouvoir profiter du cliché immédiatement. Dans les années 1950 et jusqu’aux années 1970, la marque connaîtra un succès planétaire fulgurant. Mais progressivement, le coût élevé des pellicules et la piètre qualité de l’image ne résisteront pas à l’arrivée du développement des clichés en une heure, mais surtout au tournant numérique, que Polaroid n’a pas su prendre. Après dix ans de déboires financiers — endettement, rachats successifs — il y a deux ans, la firme décide d’en finir en fermant ses usines de pellicules aux États-Unis, au Mexique et aux Pays-Bas, elle qui avait déjà arrêté la production d’appareils photo en 2007.

Mais pour les fans, pas question de baisser les bras. Pour eux, les défauts de l’appareil font aussi sa qualité. L’instabilité des couleurs, l’impossibilité de procéder à des retirages, les couleurs désaturées et ce léger flou qui lui est propre permettent, selon eux, une créativité débridée. Ainsi, l’artiste Corinne Mercadier l’utilise depuis vingt ans. « Il interfère avec humour sur la lumière et le temps, confie-t-elle. Il y a ce grain, qu’il n’y a pas dans le numérique. Et la part de hasard, d’imprévu, le côté capricieux même du Polaroid signent son authenticité. » Le point fort de la pellicule instantanée réside aussi dans le fait que la photo est unique. Pour Michael Meniane, 30 ans, fondateur du site Polaroid Passion (créé en 2007), « l’intérêt ? C’est une question de vocation. Il y a l’émotion, la couleur. C’est toute une ambiance ».

Autant de raisons qui ont décidé l’homme d’affaires autrichien, Florian Kaps, à ressusciter la marque. Fan de Polaroid sur le tard, créateur du site Polanoïd, communauté de fans, et Polapremium (site de vente en ligne de pellicules et appareils photo), il se lance à l’annonce de la fermeture de l’usine d’Eschende, aux Pays-Bas. Il rencontre André Bosman, directeur du site, et parvient à le convaincre de reprendre la production de pellicules instantanées. Bosman embauche une dizaine d’anciens, proches de la retraite. The Impossible Project est né. Les pellicules seront mises en vente sur le site Polapremium, et peut-être chez « Prophot », cette enseigne française spécialisée dans la photo professionnelle. Et ce n’est pas tout. Inspiré par l’initiative de Kaps, le groupe Polaroid a relancé la fabrication. Pour se refaire une jeunesse, la marque a même décidé de faire appel à la chanteuse peroxydée Lady Gaga en tant que directrice créative. Les créations propres au téléphone d’Apple s’exposent à la galerie d’art parisienne Aromda. Ludovic Mariault, cofondateur avec Yann Deshoulières du lieu, confie « la différence avec le numérique, c’est que là, vous n’avez pas trop de choix. Ce n’est pas un concours photoshop ! ». Pour lui, ce retour au Polaroid « tient beaucoup de l’inconscient culturel. On a vu nos parents ou nos grands-parents l’utiliser. C’est très nostalgique tout ça ». Fini les retouches. Le Pola s’expose sans fard.

Galerie Aromda, 5 et 17, rue des Moines, Paris XVIIe
www.polayou.com et facebook

Galerie de Corinne Mercadier, Galerie des Filles-du-Calvaire, 17, rue des Filles-du-Calvaire, Paris IIIe
www.polaroid-passion.com

WWW.POLANOID.NET

WWW.POLAPREMIUM.COM

www.the-impossible-project.com

Par Marine Cluet La Tribune journal du 05/02/2010

latribune.fr

Non, le Polaroid n’est pas mort. En 2008, la marque a cessé la production de pellicule et boîtiers. Pourtant, cet objet n’a jamais été aussi tendance. Lors des défilés de prêt-à-porter printemps-été 2010, Benoît Peverelli, photographe de « Libération », a immortalisé l’atmosphère sophistiquée avec le fameux appareil instantané. Des sites Internet proposent de donner un « effet Polaroid » aux photos numériques. l’iPhone a développé une application, « Polarize », pour « polariser » ses photos. Les plus néophytes deviennent accros. Même les plus jeunes qui ne l’ont pas connu. Jusqu’au fameux bruit, le fameux « clic, bzzz, shlack », caractéristique de l’appareil, repris dans les applications numériques
L’histoire commence en 1944, aux États-Unis. Un scientifique, Edwin Land, à la tête de Polaroid Corporation — société spécialisée dans les verres solaires — décide de mettre au point un appareil à développement instantané, pour faire plaisir à sa fille qui pleurniche de ne pas pouvoir profiter du cliché immédiatement. Dans les années 1950 et jusqu’aux années 1970, la marque connaîtra un succès planétaire fulgurant. Mais progressivement, le coût élevé des pellicules et la piètre qualité de l’image ne résisteront pas à l’arrivée du développement des clichés en une heure, mais surtout au tournant numérique, que Polaroid n’a pas su prendre. Après dix ans de déboires financiers — endettement, rachats successifs — il y a deux ans, la firme décide d’en finir en fermant ses usines de pellicules aux États-Unis, au Mexique et aux Pays-Bas, elle qui avait déjà arrêté la production d’appareils photo en 2007.

Mais pour les fans, pas question de baisser les bras. Pour eux, les défauts de l’appareil font aussi sa qualité. L’instabilité des couleurs, l’impossibilité de procéder à des retirages, les couleurs désaturées et ce léger flou qui lui est propre permettent, selon eux, une créativité débridée. Ainsi, l’artiste Corinne Mercadier l’utilise depuis vingt ans. « Il interfère avec humour sur la lumière et le temps, confie-t-elle. Il y a ce grain, qu’il n’y a pas dans le numérique. Et la part de hasard, d’imprévu, le côté capricieux même du Polaroid signent son authenticité. » Le point fort de la pellicule instantanée réside aussi dans le fait que la photo est unique. Pour Michael Meniane, 30 ans, fondateur du site Polaroid Passion (créé en 2007), « l’intérêt ? C’est une question de vocation. Il y a l’émotion, la couleur. C’est toute une ambiance ».

Autant de raisons qui ont décidé l’homme d’affaires autrichien, Florian Kaps, à ressusciter la marque. Fan de Polaroid sur le tard, créateur du site Polanoïd, communauté de fans, et Polapremium (site de vente en ligne de pellicules et appareils photo), il se lance à l’annonce de la fermeture de l’usine d’Eschende, aux Pays-Bas. Il rencontre André Bosman, directeur du site, et parvient à le convaincre de reprendre la production de pellicules instantanées. Bosman embauche une dizaine d’anciens, proches de la retraite. The Impossible Project est né. Les pellicules seront mises en vente sur le site Polapremium, et peut-être chez « Prophot », cette enseigne française spécialisée dans la photo professionnelle. Et ce n’est pas tout. Inspiré par l’initiative de Kaps, le groupe Polaroid a relancé la fabrication. Pour se refaire une jeunesse, la marque a même décidé de faire appel à la chanteuse peroxydée Lady Gaga en tant que directrice créative. Les créations propres au téléphone d’Apple s’exposent à la galerie d’art parisienne Aromda. Ludovic Mariault, cofondateur avec Yann Deshoulières du lieu, confie « la différence avec le numérique, c’est que là, vous n’avez pas trop de choix. Ce n’est pas un concours photoshop ! ». Pour lui, ce retour au Polaroid « tient beaucoup de l’inconscient culturel. On a vu nos parents ou nos grands-parents l’utiliser. C’est très nostalgique tout ça ». Fini les retouches. Le Pola s’expose sans fard.

Galerie Aromda, 5 et 17, rue des Moines, Paris XVIIe
www.polayou.com et facebook

Galerie de Corinne Mercadier, Galerie des Filles-du-Calvaire, 17, rue des Filles-du-Calvaire, Paris IIIe
www.polaroid-passion.com

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Par Marine Cluet La Tribune journal du 05/02/2010

latribune.fr

« Ne prenez pas la vie trop au sérieux ; de toute façon, vous n'en sortirez pas vivant ! » 
Bernard Le Bouyer de Fontenelle, Ecrivain Français, 17ème siècle.
A la frontière du design et de la création picturale, Jean-Philippe Cache est un plasticien aux différentes facettes qui utilise dans ses les codes, les repères dans l’espace. Sa peinture est éminemment personnelle, parfois drôle, un brin provocante : elle est le résultat d’une immense liberté créative, le fruit d’une longue observation.
Le travail de Jean-Philippe Cache n’est pas de celui qui se livre spontanément au regard pressé. C’est que sa simplicité apparente doit être comprise comme une invitation à voir au-delà de l’action déposée sur la toile, à voir au-delà du trait…
Sa peinture offre au regard une dualité émotionnelle entre un appel visuel et la question posée de façon subliminale, nous permettant ainsi de vivre un moment méditatif spontané.
Dans ses tableaux récents qui seront pour la première fois présentés à la galerie aromda, il utilise différents supports, différents codes, et amène non sans humour, le spectateur vers une réflexion intérieure, sur sa position intellectuelle, morale, dans l’espace ou le temps.
Où je suis ?
La question est récurrente … Paradoxe de l’humanité…

Contact presse : 01 46 27 46 57 yann deshoulières & ludovic mariault

Pour recevoir une invitation : info@365arts.com

Dans le travail d’Elisabeth Lefèvre, il y a l’histoire d’une femme qui assemble des cristaux de vies. Elle vient ensuite les recouvrir d’une âme, d’une palette de couleurs tendres et harmonieuses. Enfin le polissage vient donner de la matière, de la texture à ses souvenirs. Ces paysages, ces compositions sont encore figuratifs, nostalgiques. Elle découvre l’abstraction en douceur sans pour autant lui offrir ses rêves. L’impulsion reste maitrisée par la douceur de cette plasticienne au regard et à la voix qui ont su observer, écouter les plus petits. Sa peinture raconte, évoque des sensations binaires, complexes où chaque impact de couleur se détache de son voisin tout en restant fondu dans une harmonie androgyne. La dureté du support bois offre pourtant au toucher, le velours d’une œuvre à savourer sans modération.

Pour découvrir cette artiste peintre Elisabeth Lefèvre

Calcutta est la dernière ville où l’on trouve des pousse-pousse tractés par des hommes à pied comme vrai moyen de transport pour la population. Partout ailleurs, dans les autres villes indiennes et asiatiques, ils ont été remplacés.
Ils parcourent en marchant, parfois en courant, entre 20 et 30 kilomètres par jour depuis 6 h du matin jusqu’à la tombée de la nuit.
Environ 80% des tireurs de ricksaw de Calcutta sont des réfugiés économiques originaires du Bihar, considéré comme un des états les plus pauvres de l’Inde.
Ce « métier » est officiellement abolit, mais leur syndicat se bat contre le gouvernement pour maintenir les emplois, obtenir une reconversion professionnelle ou alors des pensions pour leurs membres.
Le caractère qui est en hindi sur les photographies, correspond au numéro d’immatriculation de leur véhicule.
40 tirages 18 x 24 en 12 exemplaires
Le prix de vente est de 42 euros :
- 30 euros sont reversés à l'association "Ici voir(e) ailleurs"
- 12 euros sont dépensés pour les frais de photos et encadrements.
Le photographe Thierry Chantegret Président Fondateur de cette association, effectuera le voyage pour faire donation du montant des ventes.
La vente de tous les tirages représente la somme de 14 400 euros soit 30 euros x 12 exemplaires x 40 "Rickshaw"

Pour découvrir les photographies

Cette frise d'avocats est en exposition dans un cabinet d'avocat qui en a fait l'acquisition dans le cadre de la loi sur le mécénat d'entreprise et les artistes contemporains.
Le mécénat d'entreprise permet aux sociétés soumises à l'impôt sur le revenu ou sur les sociétés, d'immobiliser et de déduire du résultat de l'exercice, par fraction égales, le prix d'achat d'oeuvres originales d'artistes vivants sur une période de 5 ans et dans la limite de
5 pour 1000 de leur chiffres d'affaires hors taxes.
articles 238 bis et 238 bis AB du CGI

Il pleut. J’arpente la rue des Moines. Au 17, mon regard est attiré par un nouveau lieu.
On dirait qu’il y fait chaud. Les peintures et les photos exposées m’apparaissent d’un goût sûr. Une galerie ? Peut-être, mais alors pas comme les autres. On a envie d’y entrer, on sent qu’ici, personne ne va nous regarder d’un
air de dire : « Vous n’y connaissez rien à l’art contemporain,
dégagez. » Non. Ici, c’est tout le contraire. Deux charmants garçons, Ludovic et Yann, m’ouvrent et me font visiter.
Ils me parlent du lieu autour d’un café : « Ici, ce n’est surtout pas une galerie. On veut que tout le monde entre.
On travaille parfois avec les entreprises, on casse les prix. On fait même de la location d’oeuvres. »
Car oui, malgré l’ambiance détendue, ce sont bien des oeuvres d’art qu’ils exposent. « Les tirages sont limités à trente exemplaires maxi comme
le veut la loi du marché, contrairement à d’autres boutiques qui vous vendent de fausses séries limitées », s’insurgent mes deux hôtes. « L’idée est de
faire du sur-mesure. Beaucoup de tableaux disponibles ici sont décoratifs. Nous proposons également un cadre créé par un designer londonien, le
cadre Art Vinyle, aux mensurations 33 tours. On détourne l’objet. Pour le contenu, soit les artistes avec qui nous travaillons proposent des photos, dessins, etc., au format carré, soit vous pouvez y mettre vos vieilles pochettes de vinyles à l’intérieur.
Nous les proposons la plupart du temps par trois, c’est très beau. » (200 euros
les 3 cadres + photos).
C’est donc ça Aromda. Ca se situe entre la galerie confidentielle
et les tableaux « à la chaîne ». Mais d’où vient ce nom ? « Le début, comme le mot
arôme, m’explique Ludovic, le peintre, ma vision de la peinture s’apparente à la cuisine, des saveurs, des mélanges, de la couleurs ». Et Yann, le photographe quant à lui choisit la fin, le « da » : « Comme « oui ». Mais surtout comme
Dada, parce que ce mouvement artistique cassait les codes, n’avait aucune règle. C’est comme ça que je fonctionne, que je vois l’art. » Un tel lieu de 100 m2 sur trois niveaux, dans un quartier un peu confidentiel c’est un grand pari, non ?
« Nous aimons nous occuper d’artistes, découvrir des talents. Ce lieu c’est aussi pour qu’ils en profitent.
Faire connaître des artistes au plus grand nombre. » m’expliquent-ils. Décidément ces garçons ont tout pour plaire, artistes pas prétentieux mais curieux, ils veulent autant aider les artistes que les visiteurs à se rencontrer dans une ambiance pas prise de tête. « Souvent, nos clients se payent pour la première fois une oeuvre
d’art pas chère. On ne veut pas faire de l’art-musée.
On essaye de garder la porte ouverte, l’art doit rester accessible » Et vous savez quoi ? Ils vous le prouvent : chaque personne qui entre de la
part du Bonbon se verra offrir un tirage d’une
photo-oeuvre d’art. La classe, non ?
Source le bonbon décembre 2009

Voici venir le temps de ce temps de nous même, par des voix contrariées que le souffle entreprend de mener jusqu'à l’aube des yeux de la conscience; des yeux et puis des vœux appelés de très loin, par force de conques cassées, messagères bien bancales de toutes  ces bonnes nouvelles qu’on ne voit pas venir…
  … Et un jour, par la fente des choses, un jour « au bout du petit matin », à bout d’un petit matin fait d’ossements délétères, l’artiste amorce le champ des « semaison » nouvelles. Le champ est désormais toute sa parcelle de terre et le MONDE qui l’entoure, désenclavant d’un coup les libertés encloses et forcloses d’avoir trop mis du temps à se lever.
Qu’est-ce alors  « ici-dans » que ce temps de nous même ?
  Etre à l’heure de soi même, lécheur de cicatrices, lécheur d’une cicatrice qui est passé, présent, et avenir solide bâtie sur une mémoire horloge de sa mémoire,  pour être pareillement aussi  à l’heure d’elle-même.
  Voici venir le temps de dérégler ces CONTES, mascarades d’humanisme à strates colorées ; érigeur et figeur des espaces cloisonnés qu’il faut décloisonner en fondant au-dedans le vaste rassemblement de nos « je » respectifs.
  S’embrasser, s’enlacer en « aimeur » de « ses-soi », au diapason d’un deuil communément  poussé vers l’horizon à prendre.
  Voici venir le temps de coucher dans la griffe, l’Etre-à-l’heure-de-soi-même qui distingue désormais vitesse et précipitation, dans cette course à l’étreinte pour enfanter un monde.
  Et ce monde adviendra par des morceaux de foudre, des lenteurs sinueuses, des baisers qui dévorent, et puis des hommes qui peignent, qui sculptent, qui dansent ; chat-man(e) à chaque main qui s’unissent pour former la ronde boule de ces choses qui roulent vers un destin de frayeurs expurgées, et de lâchetés affrontées dans la seule transe qui vaille la joie d’être advenue en vertical-vibrant d’un tout-debout de là où l’on se tient vivant…                                         

 Jymmi Anjoure-Apourou

Pour découvrir l'art brut de Patrick Nupert

Fondé en 2001, AM STRAM GRAM est le 1er réseau des haltes garderies et crèches privées pour les enfants de 12 mois à 4 ans. Nouvel art de vivre pour les enfants, AM STRAM GRAM est un concept convivial et innovant. Pour les plus grands, ateliers d'éveil évolutifs autour du cirque, du jardinage, du yoga, du bricolage, de l'éveil musical... Pour les plus petits, séances "Découverte" basées sur l'exploration des 5 sens. Lieu de vie, de jeux et d'apprentissage, AM STRAM GRAM prépare en douceur l'enfant pour l'entrée à l'école maternelle. Bien-être et plaisir en toute tranquillité, dans un espace ludique et coloré ! A ce jour 3 établissements sur Paris : AM STRAM GRAM Lecourbe Paris 15ème, AM STRAM GRAM Exelmans Paris 16ème et AM STRAM GRAM Tocqueville Paris 17 ème

Avec Thomas Bossard et ses portraits d'une société, " l'envie de la grâce nous prend, nous nous sentons le pied léger. Quà cela ne tienne, enfilons le tutu et en avant : deux, trois, en musique, entrons dans la danse ! Soyons acrobates ! N'ayons peur de rien même pas du ridicule...
Mais le sommes-nous vraiment, ridicule ? Nous pourrions nous retrouver devant une bonne bière sur la digue de Zuidcoote, dans la " conversation " nous échangerions de grandes paroles sur les malheurs de notre petit chien si adorable que nous lui portons une sincère affection. Lui au moins, il écoute !...
Parfois dans le miroir nous aurions envie de fuir notre image, mais cet homme un peu ridicule, est-ce bien nous ? L'élégance et la poésie de Thomas Bossard nous disent que non, c'est un autre, toujours un autre, toujours un autre. "

pour découvrir les portraits d'une société du peintre Thomas Bossard

Après un parcours « classique », avec des bonhommes aux yeux posés de chaque coté du nez, Nataly Goubet a compris que sa peinture était ailleurs : du coté de la liberté, celle là même qui balaye les dessins d’enfants.  Au départ d’un tableau, il y a toujours une émotion, un désir, une urgence à dire l’instant. Les couleurs, les traits, les signes jaillissent alors, parfois inattendus, comme autant de flash d’un souvenir du vécu, pour ne transcrire que l’essentiel.
Chaque début, chaque tache, chaque geste peut ainsi devenir, parce que tout naît de quelque part. Libérée de l’obligation de dire le réel, elle peut enfin laisser place à l’énergie et à l’envie, pour seulement peindre.
Au final sa peinture est parfois qualifiée de brutale, originelle ou primitive, mais elle n’en demeure pas moins un langage à part.
nominations 
La plasticienne N.Goubet a reçu la nomination du grand prix Azart 2009

Pour découvrir la peinture de Nataly Goubet

« Tout vibre, tout est chargé du mouvement qui précède et plus encore de celui qui va suivre. (…) La ville explose, cadrée dans sa géométrie sommaire, colorée comme dans un rêve survitalisé. Les silhouettes la traversent, quelquefois comme des transparences déprises de ce qui peut obscurcir, opacifier le vivant, d'autres concentrent une couleur, ou l'autre, ou bien ce sont les contours qui flashent et laissent passer cette transparence, comme si Franck Chambrun, lui-même si occupé à vivre et si peu préoccupé de cerner son apparence, nous conviait à nous délester de nos encombrements intimes, à nous laisser traverser par la lumière dans une sorte d'innocence joueuse et songeuse à la fois, pour assumer l'intensité de vivre. » Maryk Le Hène
Artiste peintre, Franck Chambrun s'inspire du pop-art et propose des créations originales, des tableaux plein de couleurs avec comme caracteristiques communes des tags graffitis sur chacune de ses oeuvres d'art...
Pour découvrir ses tableaux "pop-art"

Chez Yann Deshoulières, il y a ce voyageur photographe de couleurs, de souvenirs d’enfance, de portraits incertains, de flous en mouvement. Des livres exposés, des papiers enflammés,  aux néons des mouvements de la nuit, son regard, se pose, se surexpose pour dupliquer des instants en une seule photo libre. Libre comme l’enfant qu’il est et qu’il construit du quotidien allant de chupas acidulés aux jupes dans le vent …
Pour découvrir d'autres photographies de Yann Deshoulières | Exposition | Vente de photographies artistiques sur la ville de New York par le photographe professionnel YANN Deshoulières pour des achats de tirages photo signés et numérotés de 1 à 30 exemplaires ...

Rencontres

 "Celui qui a goûté, ne serait-ce qu’une fois dans sa vie, au plaisir de la lecture, se souvient d’une rencontre avec un livre, avec cette somme de papier qui l’a tenu assis des heures et l’a enchanté. Il a tourné les pages, immobile, et pourtant il a voyagé. Le temps s’était arrêté. Le corps était là, mais la tête était ailleurs.

Quand le livre s’appelle roman, le lecteur entend une voix, celle de l’auteur, tapie dans la voix des personnages, dans les images suscitées par le texte, dans le rythme des phrases, dans les parfums qui s’échappent des pages tournées. Une voix parle au lecteur et le lecteur l’entend.

Rencontre avec un livre, rencontre avec un auteur. Dany Laferrière le dit : le lecteur et l’auteur ont rendez-vous au pays de l’imaginaire. C’est l’auteur qui a proposé ce rendez-vous. Il a fait le premier pas. Il invite au voyage. En attrapant son livre, à l’étalage d’une librairie ou sur le rayon d’une bibliothèque, c’est la main tendue de l’auteur que le lecteur saisit.

Puisque l’écrivain, comme tout créateur, est à l’initiative de cette rencontre amoureuse, puisqu’il a osé le premier exposer sa sensibilité, il est vulnérable. Pudique, il cache sa nudité derrière son œuvre. Qui veut le débusquer doit lui prouver une bienveillance, le mettre en confiance, tirer avec délicatesse le fil de l’échange. Sans empathie, l’huître se refermerait et sa perle resterait inaccessible.

C’est de ces convictions qu’est né Interlignes. Convictions éprouvées au sein d’un club de lecteurs appelé L’Ivre Parole, qui a accueilli une trentaine d’écrivains déjà, pour des  entretiens intimistes, qui permettent à l’invité de raconter la genèse d’un de ses livres, d’expliciter son intention, d’évoquer, en toute simplicité, son métier.

Dans la série d’entretiens dont France 5 nous a passé commande, c’est bien cela qui nous a intéressés : l’au-delà du texte, ou l’en-deçà, ce qui entre les lignes permet de distinguer le visage d’un auteur, d’entendre sa voix, de sentir son souffle, de partager ses souffrances et ses émerveillements. Il s’agit au fond de tirer vers soi la main tendue et de lever les yeux, pour qu’un face à face esthétique se produise, grâce au texte, entre un écrivain et son lecteur – bref pour que la magie de la littérature s’accomplisse.

Si ces paroles filmées diffusent un peu d’ivresse, si elles donnent à l’internaute ou au téléspectateur l’envie de rejoindre l’animateur et de plonger dans les livres qui lui sont présentés, alors Interlignes aura gagné son pari."

Dominique Antoine

interlignes

"Dans le quartier, tout le monde connaît Ludo, artiste peintre et galeriste. S'il organise depuis peu des expositions permanentes d'art contemporain dans son nouvel espace situé au 17, de la rue des Moines, il est surtout réputé pour son drôle d'atelier, Aromda. Depuis plus de dix ans, qu'il vente ou qu'il neige, on le voit peindre et dessiner sans chauffage, sous le regard curieux des piétons de passage. Mais depuis peu, ce qui attire les regards, ce sont les oeuvres de Sissi et d'Ophélie, deux artistes résolument tournées vers l'enfance et l'adolescence. La première donne des cours d'art plastique, mais elle est davantage connue pour ses ours graphiques, déclinés dans toutes les attitudes, parfois même dans des Ferrari. Quant à la seconde, elle peint par-dessus des toiles qu'elle brode et coud avec des couleurs chaudes. Sa dernière série sur les souris devrait ravir les mamans et les bambins du  quartier."

Source : Pariscope n°2158

AUDECIA est un groupement de cabinets d'Expertise Comptables et de Commissariat aux comptes, implantés sur l'ensemble du territoire national.

Fort de ses 200 Experts-Comptables et Commissaires aux Comptes et ses 1500 assistants, il apporte aux entreprises toutes les réponses dans la gestion quotidienne de la comptabilité, l'audit, le social, le droit des sociétés, et le conseil en management et organisation

Aromda
17, rue des Moines 75017 Paris
01 58 60 23 80

Métro 13 Brochant, Train Saint-Lazare Pont-Cardinet

Programmation
Du 24 septembre 2009 au 23 décembre 2009.
mar au sam de 11h à 19h30.

Entrées
entrée libre

Depuis plus de vingt ans, au fil de ses voyages et " errances " en Asie, Le photographe Thierry Chantegret poursuit un travail d'auteur dans lequel il s'interroge sur la place de l'homme dans l'espace urbain. Sa vision trouve toute sa force dans sa démarche de " coloriste ". Des villes des hommes sont alors placés sous un nouveau regard parfois onirique, souvent poétique.

Pour découvrir ses photographies en 30 exemplaires signés et numérotés par l'artiste.
"La difficulté majeure pour les photographes occidentaux en Inde est que tout y est incroyablement photogénique. Et pire encore s’ils travaillent en couleurs. C’est sans doute pourquoi, le plus souvent, les images qu’ils en rapportent se ressemblent tant. Face à ce décourageant feu d’artifice de couleurs chatoyantes, à ce foisonnement de scènes pittoresques et de personnages typiques, ne survivent que ceux qui, arc-boutés sur leur vision propre, transportent avec eux leur univers formel. Encore leur faut-il échapper à l’autre danger qui les guette : celui du formalisme, du placage d’une grille capable, bon gré mal gré, de s’imposer à la diversité du réel. Thierry Chantegret, qui est un habitué de l’Inde, esquive ce double écueil. On reconnaît vite sa manière rigoureuse d’appréhender l’espace avec son Leica, cet ordonnancement idéal qui ignore la hiérarchie, où personnages et décors tendent à se fondre. Tout y est à la fois signe – porteur d’information – et élément graphique. Sa palette de couleurs aussi lui appartient. A Buenos Aires, à Paris ou en Inde, les rouges francs tranchent sur les bleus délavés et les blancs incertains. Avec ici la concession des jaunes : les ocres, les safran. Pas de première personne. Nul protocole ne semble régir la relation entre les modèles et l’opérateur qui n’a d’autre ambition que l’absence, la transparence et sait se faire oublier à force de patience. Pourtant, rien de glacé dans ses images. Si elle est distanciée, cette photographie ne verse jamais dans l’indifférence ou l’esthétisme. Car cette distance est d’abord celle de la pudeur, la «distance respectueuse» qu’il s’est assignée. L’émotion n’est jamais bien loin derrière l’entrelacs des formes et le contraste des couleurs. La gravité non plus : l’Inde est le miroir qu’il interroge sur lui-même. Les images qu’il y capture sont les réponses qu’elle lui donne." JC Fleury

source : http://scope.lefigaro.fr/arts-expositions/exposition/galerie/e-e527223--thierry-chantegret/static/#ipq

Avant tout, Zou décide d'un thème auquel elle associe des articles de presse, des matières et des couleurs. Des thèmes qui la touchent. Puis, elle mélange toutes sortes de matériaux comme la cendre, les journaux, le carton, le sable... aux couleurs chaudes de la terre. Tous ces matériaux que l'on aurait tendance à jeter, elle essaye de leur donner une seconde vie. En y accumulant des couches et des couches de peinture, des "accidents" apparaissent. Ceux-là même qui vont construire la toile. Après cette construction autour du thème, de la couleur et de la matière, elle "sculpte" tous ces éléments pour donner du volume et de la force.
Pour découvrir ses oeuvres d'art

L'artiste peintre Ludovic Mariault travaille de plus en plus l'association huile, acrylique et sable pour regarder et écouter le " bruit de la couleur " sur ses toiles. Des créations en matière pour un mélange de couleurs "grisés" à exposer en écoutant les bruits des regards ...
Les tableaux [ sablés ] de ludovic mariault

Avec comme thématique, les affiches de cinéma, Florent, expose et s'expose à des célébrités, des films mythiques, des images, des visages que toute une génération associe à des souvenirs personnels ... De Nikita à Orange mécanique et Monroe, " juste avant ou juste aprés ", il y a des expressions à saisir pour un public amateur d'affiches et de cinéma.
Pour regarder les affiches de film du Cinéma

Thomas Bossard, artiste peintre issu du monde du théâtre nous exposent deux tableaux pétillants d'interrogations sur ce que l'on doit attendre d'une oeuvre, d'un tableau, d'un vernissage ... La confidence est-elle dans le sens que l'on attend ?
A découvrir sans modération

acteris est une agence de conseil en communication.

Elle propose à ses clients toutes les prestations d’un service
communication externalisé.

Proximité, confiance, écoute et professionnalisme sont les valeurs qui
encadrent l’ensemble de leurs missions.

"Vous avez les idées, nous créons les messages"
Ensemble, donnons du poids à vos idées.

"Vous avez les hommes, nous développons les compétences"
Ensemble, renforçons votre performance.

"Vous avez des projets, nous les concrétisons"
Ensemble, donnons de l’élan à vos projets.

acteris - 50, rue Lemercier 75017 Paris - 01 44 69 84 00

Elyza Vidal Taillet est une photographe globe-trotter  fascinée par les visages des hommes et des femmes qu'elle croise au fil  de ses expéditions qui l'ont conduite d'Inde en Thaïlande, à Bali et tout récemment au Maroc.
Son talent d'artiste, c'est sa nature de femme, sa profonde croyance en l'individu… C'est ce qu'elle nous transmet à travers ses carnets de voyage.
L'Inde devient  théâtre d'espoir, les enfants des rues, les vieillards, les mendiants sont dignement photographiés. Aucun voyeurisme. Sinon la volonté d'imposer le respect.
Elle aime les gens, ils se sentent protégés par son regard et son objectif.
Chacun de ses portraits, un hymne à la vie, raconte une histoire qu'elle tisse entre les êtres comme une tresse émotionnelle et universelle.
Diplômée d'une grande école de la photographie, Elyza Vidal Taillet a travaillé au sein des plus grands studios, dont HARCOURT, où elle apprit la technique très sophistiquée du portrait, toujours avec l'envie de mettre en lumière l'innocence, la vérité profonde d'un être.

Pour découvrir ses photographies en tirage baryté argentique.

EXPOSITION jusqu'au 10 Déc 2009 #### pour recevoir un carton d'invitation

Depuis plus de vingt ans, au fil de ses voyages et " errances " en Asie, Le photographe Thierry Chantegret poursuit un travail d'auteur dans lequel il s'interroge sur la place de l'homme dans l'espace urbain. Sa vision trouve toute sa force dans sa démarche de " coloriste ". Des villes des hommes sont alors placés sous un nouveau regard parfois onirique, souvent poétique.

Pour découvrir ses photographies en 30 exemplaires signés et numérotés par l'artiste.

Inscrivez-vous pour découvrir un nouvel espace contemporain, de nouvelles expositions, de nouveaux talents ou des artistes dèjà confirmés ...

Pour les artistes créateurs qui souhaitent exposer à la galerie : pour exposer

Laissez vos coordonnées avec un lien vers un site ou blog où votre travail est visible.

Pour  les sociétés qui souhaitent exposer des oeuvres d'artistes contemporains.

Après sept ans de succès aux Batignolles, Ludovic Mariault de l’atelier aromda & associés s’installent au 17 rue des Moines pour y créer un  espace dédié à la promotion de l’art contemporain dans l’entreprise, en continuant de vendre aux particuliers des œuvres sur mesure.

Avec son offre internet www.365arts.com, et cette nouvelle galerie aromda, le label 365arts permet à la société de consolider son offre de location d’œuvres originales ou de vente en mécénat à destination des entreprises qui bénéficient alors d’une déduction d’impôts sur le bénéfice.

L’offre tarifaire est par ailleurs remaniée avec l’introduction d’un concept tarifaire particulièrement attractif  (3 œuvres originales à partir de 36 € par mois, ou 65 œuvres originales à partir de 365 € par mois)

Répartie sur trois niveaux, dans un appartement d’architecte, aux  pierres du XVI siècle, la galerie aromda présente avec son LABEL 365arts une sélection d’artistes créateurs sur mesure (peintres, photographes, sculpteurs) en exposition permanente avec un « éclairage » particulier sur un artiste par mois ...

Berjoan
Bossard
Cache
Colin
Deshoulières
Florent
Jaladon
Lerolle
Le Runigo
Mariault
Therme
Zou

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Photo agrandie de la galerie | copyright Yann Deshoulières

Avant tout, Zou décide d'un thème auquel elle associe des articles de presse, des matières et des couleurs. Des thèmes qui la touchent. Puis, elle mélange toutes sortes de matériaux comme la cendre, les journaux, le carton, le sable... aux couleurs chaudes de la terre. Tous ces matériaux que l'on aurait tendance à jeter, elle essaye de leur donner une seconde vie. En y accumulant des couches et des couches de peinture, des "accidents" apparaissent. Ceux-là même qui vont construire la toile. Après cette construction autour du thème, de la couleur et de la matière, elle "sculpte" tous ces éléments pour donner du volume et de la force.
Pour découvrir ses oeuvres d'art

Chez Yann Deshoulières, il y a ce voyageur photographe de couleurs, de souvenirs d’enfance, de portraits incertains, de flous en mouvement. Des livres exposés, des papiers enflammés,  aux néons des mouvements de la nuit, son regard, se pose, se surexpose pour dupliquer des instants en une seule photo libre. Libre comme l’enfant qu’il est et qu’il construit du quotidien allant de chupas acidulés aux jupes dans le vent …
Pour découvrir les photographies de Yann Deshoulières

Chez Thomas Bossard, il y  a dans ses toiles quelque chose de cette enfance qui nous revient, mais où nous croyons ne trouver que le sucré, nous vient à y bien regarder l’acide. Mais cet acide-là n’est pas fait pour dissoudre, peut-être un peu pour décaper et faire que les couches de vielles peintures que nos yeux endormis ne nous font plus regarder que par habitude au point de ne plus les voir, cet acide-là donc, a le goût des bonbons acidulés. Ils nous piquent un peu mais sans agression, ils réveillent des couleurs surprenantes à y bien regarder. Il y a de la douceur et c’est ce qui fait que nous sommes attirés.            Extrait du professeur de philosophie Eric Aliot

Pour découvrir les oeuvres de Thomas Bossard

Ophélie travaille le tissu et le transforme en diverses créations textiles: panneaux décoratifs, paravents, rideaux et autres coussins.
Pour AROMDA, elle a choisi de s'amuser autour de l'univers de l'enfant avec une série de petits panneaux originaux et très décoratifs.
Elle utilise une technique bien spécifique qui associe la peinture et la broderie donnant ainsi un effet de matière très séduisant.
C'est d'ailleurs le procédé qu'Ophélie utilise dans la plupart de ses créations qu'elle réalise comme des "pièces uniques".
Les petits tableaux de cette série pour enfants feront un cadeau de naissance original que les mamans sauront apprécier!

Pour voir l'exposition des tableaux cadeaux tout en broderie ludique pour enfants

Technique mixte : Marouflage sur toile et acrylique
Scénariste de publicité, Florent travaille sur des concepts et des mots.
Ses toiles lui permettent d’exprimer sa créativité par d’autres vecteurs que la seule écriture et notamment l’image.
Il utilise une technique mixte de collage et d’acrylique avec des morceaux d’affiches récupérés soit directement sur les murs de Paris, soit dans le métro, soit dans des brocantes.
Son travail s’inspire de la culture populaire et urbaine.
Il exprime un univers dynamique et coloré.
Ses toiles parlent à chacun de nous : elles nous rappellent des images et des personnages qui nous sont familiers (logo, publicité, star de cinéma)…
Elles offrent une vision chaotique dans laquelle l’ordre se fait au gré de notre mémoire. On retrouve des images, des couleurs, des mots, des souvenirs familiers transfigurés par la création de ce jeune artiste issu du monde de la publicité.
En partant d’un concept, d’un mot, d’une idée rédactionnelle Florent choisit des matières premières et un format.... Et d’éléments déstructurés, il crée un ensemble structuré et cohérent avec pour finalité le plaisir de l’œil.
Son succès actuel l’encourage à continuer et à explorer de nouveaux univers…

Pour découvrir ses toiles

Décoration sur mesure pour le bar le colisée. Une décoration originale et haut de gamme avec des tableaux peintures pour colorer embellir mettre en valeur un lieu de détente et de convivialité.
Une décoration pour personnaliser votre activité commerce sur un thème choisi.

Dans le cadre du cadre des couleurs rose orange turquoise pour un fond gris béton avec mortier plus une teinte couleur argent : un mur à franchir pour un rêve de voyage coloré ...
Pour découvrir les rêves de voyage d'émotions filantes

Voilà un site intéressant ! Le site d’un artiste peintre de talent, Ludovic Mariault. Vous pourrez y créer vos toiles, selon vos envies, vos couleurs… des tableaux sur mesure à des prix raisonnables !

Découvrez également sa galerie d’art contemporain, lieu d’exposition colorés au coeur du 17ème arrondissement de Paris. Un lieu de création où vous pourrez réaliser vos projets de toile sur mesure en fonction de vos couleurs et du style de votre intérieur.

Une belle découverte, Aromda.com, les couleurs de vos arômes !

Merci à Elodie ! 

blog-deco-delamaison.fr

Peintures marines tableaux d'inspiration figurative de [ bord de mer ] pour des paysages marins abstraits, des couleurs monochromes remplies de reflets, des matières en opposition ...

Pour découvrir le [ bord de mer ]

Tableaux abstraits d'un paysage de campagne | matières en fusion sable compressé avec des teintes aux nuances naturelles ou acidulées . Peintures incrustées dans ces matières pour un regard naturel ... La base, le socle, la mémoire des arbres grandissant dans un ciel d'hiver d'une blancheur métalisée par la vie extérieure ...

Pour découvrir des paysages de [ campagne ]

Des tableaux monochromes associant des teintes monochromes à l'huile et à l'acrylique pour des peintures abstraites contemporaines aux regards changeant avec la lumières, aux matières changeantes dans nos sensations intérieures. Une notion de calme reposant avec ces monochromes de teintes ...

Les petits ours de Sissi sont peints à la main avec amour, un cadeau idéal pour offrir lors d'une naissance ou tout simplement pour décorer les chambres des enfants avec cet ours toujours à la mode de génération en génération.

Découvrir les ours de Sissi

EQR (Evaluation de la Qualité et des Risques) est un cabinet de conseil et de formation spécialisé dans les politiques d’actions sociales et médico-sociales.
Ce cabinet de conseil décore les locaux de son entreprise avec des tableaux, une volonté d'améliorer son image de marque avec la location d'oeuvres d'art contemporain ...

www.eqr-management.com

Les matériaux sont là (papier, vernis, encre, acrylique , photographies…), leur manipulation, jusqu’à annihiler l’origine, les fonds dans le tableau.
Le travail de dépose, de reprise, se présente comme une sédimentation, une réconciliation des matières après leur confrontation.
Collection d’impressions, d’images, réflexion s’élaborant sur des années, sédiment de la mémoire.
Terre survolée, pierres collectées, paroi frôlée, terre foulée, paysages traversés.
Paysage, mémoire de l’eau
Regard, mémoire du lieu
Inscription de l’eau dans le papier
Croisée des mémoires
Lieu de rencontre
Du sec et de l’humide
De celui qui fait
Et de celui qui voit
La Peinture comme lieu.

Pour découvrir les oeuvres de Mary Christine JALADON

Un univers de rêves immobiles, des matières en sur épaisseur, des couleurs en dehors des modes, des toiles graphiques aux sillons creusés dans la texture pour l'éternité ...
[ Berjoan ] un artiste talentueux qui s'expose avec force

Pour découvrir ces oeuvres

Des paysages marins ancrés dans le [ sable ], ancrés dans le souvenir d'un instant unique partagé au naturel. Tel un socle ou cumulus, le souvenir construit notre vie, il est le témoignage et la base de nos visions à venir. Ce paysage marin se transforme parfois dans le temps en paysage humain aux allures d'architecture urbaine. Des portraits autour de la mer, du corail, d'une vie végétale, d'une brume, d'un port, d'un phare, d'une plage, d'un navire autant de souvenirs à venir.

Découvrir cette exposition [ sable ]

30 tableaux en exposition location dans le Centre d’Affaires EMERGENCE à Paris Opéra.

Une mise en valeur des locaux professionnels d'une société par des oeuvres originales et colorées ...

"EN TOUTE FRANCHISE" l'émission au cours de laquelle Hervé Valade-Chassing reçoit un invité et nous le fait découvrir au travers d'un jeu de cartes un peu transformé puisqu'au dos de celles-ci sont inscrites des questions liées à différents thèmes

Mais aussi : le parcours de l'invité, ses envies, ses rêves, ses passions, et son métier - souvent atypique !

La version de la rentrée 2008 va voir apparaître de nouvelles cartes et de nouvelles questions. Au cours de l'entretien, l'invité pourra tomber sur des questions « gage » et peut-être même, si elle ou il a de la chance, sur LA SEULE CARTE JOKER du
jeu !
Si vous exercez vous aussi un métier ou une profession sortant de l'ordinaire, si vous souhaitez raconter votre parcours atypique, appelez notre standard au 01 56 88 40 20 et je vous recevrai..."EN TOUTE FRANCHISE", sur les ondes de Vivre FM!

Ecouter l'émission du 22/09/2008

Ce diptyque composé de deux tableaux d'une dimension de 40x40 cm et 80x40 cm est une création sur mesure, une oeuvre originale destinée à la vente en milieu professionnel. Cette oeuvre est exposée en entreprise pour renforcer l'image de marque de cette société en conseil et communication. www.adinteractive.fr

Ad Interactive accompagne ses clients pour concevoir et orchestrer une relation interactive* entre la marque et ses publics et/ou une relation transactionnelle entre un produit et ses consommateurs par le biais d´applications multicanal.

* La relation interactive : relation créant un flux continu d´informations entre l´émetteur (annonceur, marque, produit) et le récepteur (clients, prospects, publics) d´un message. L´analyse et la gestion des données échangées permettent de créer une valeur nouvelle (audience et image en communication / informations clients en marketing).

Bon voyage ...

Les cieux et les flots, il les avait à portée de pinceau. C'était sa manière à lui de dompter l'univers, ou plutôt de l'étreindre. «Vers le large», dit l'une de ses toiles quand trios autres chantent un «Hymne au soleil», inventent «L'arbre de mer» ou invoquent «Les trois ciels».

Largeur et hauteur de vue. Jean-François Comment cultivait donc l'une et l'autre. Pour s'en convaincre, il suffit d'aller sur le site: jfcomment.com. Soit un musée virtuel consacré au peintre jurassien et récemment créé par son fils Bernard Comment.

Très bien conçu, documenté et illustré, ce «musée» riche de 300 peintures à l'huile, de 200 aquarelles et de plusieurs dizaines de vitraux , annonce la création très prochaine d'une fondation dédiée à Jean-François Comment, décédé en 2002, à 83 ans.

Retour sur la vie artistique du peintre en compagnie de son fils Bernard.

swissinfo: Comment vous est venue l'idée de ce musée virtuel?

Bernard Comment: C'est l'écrivain français François Bon, un des pionniers dans le domaine d'Internet, qui m'a encouragé à créer ce site. L'œuvre de mon père est immensément riche. La reproduire dans un livre est donc impensable. Cela nécessiterait des milliers de pages et le livre serait impossible à commercialiser, question coût et volume.

Je me suis donc dit qu'un musée virtuel donnerait un avant goût de la fondation consacrée à mon père, qui sera prochainement mise sur pied. En attendant, le site permet de découvrir un maximum de pièces, sans restrictions et sans contraintes. Les visiteurs peuvent télécharger les images gratuitement. Il n'y a aucune finalité commerciale: pas de vente d'œuvres, pas de taxation non plus.

swissinfo: Pensez-vous que Jean-François Comment fût suffisamment honoré de son vivant?

B.C: Oui, absolument. La Confédération a d'ailleurs acquis plusieurs de ses tableaux, très beaux. Je ne pense pas qu'on puisse se plaindre de son destin. Il est vrai que son choix de rester et de travailler dans sa ville natale, Porrentruy, à laquelle il était très attaché, l'a en quelque sorte éloigné des circuits qui font les carrières internationales: Paris, Londres, New-York et même Zurich.

Mais bon, mon père avait un caractère entier, assez renfermé et au fond très orgueilleux. Il pensait que son œuvre devait se suffire à elle-même. En tout cas, il a su imposer son nom et a pu vivre de son travail.

swissinfo: A-t-il bénéficié d'une véritable reconnaissance à l'étranger?

B.C: Disons que l'essentiel de sa carrière s'est fait en Suisse. Ce qui ne l'a pas empêché d'être exposé en France, en Grèce, en Allemagne, en Italie et même à Hong Kong et au Japon.

swissinfo: Telle que présentée sur le site Internet, son œuvre révèle un éclectisme surprenant. Les influences artistiques sont multiples: Picassso, Degas, Derain...

B.C: Oui, c'est vrai surtout pour les quinze premières années de son travail pictural, disons tout ce qui relève de la période figurative. Après, on entre dans une démarche qui est quand même plus personnelle, moins figurative, et qui se caractérise par une quête de la lumière. Ou plus précisément par la vibration de la couleur, singularité de Jean-François Comment.

L'écran d'Internet restitue d'ailleurs très bien cette vibration. Je pense que si mon père avait vécu en France, on l'aurait aujourd'hui rapproché de Serge Poliakoff ou de Jean Bazaine, deux artistes du XXe siècle un peu méconnus.

swissinfo: Une fondation est prévue comme vous l'avez dit. Quand et où prendra-t-elle place?

B.C: Je ne peux pas vous donner de date exacte, mais ce sera dans les prochaines semaines, à Porrentruy, bien sûr, ville natale de mon père. Nous avons trois lieux en vue: la maison Turberg, autrefois occupée par un artiste, les anciens entrepôts de la Coop ou alors les combles de l'Hôtel Dieu.

swissinfo, Ghania Adamo

Source www.swissinfo.ch 
Site officiel de Jean-François Comment

3 carrés + 2 bandes + 1 trait = une grille de 19 x19 cases
Une formule toute simple pour décrire et décrier l'art accessible à décrire et facile à décrier

Pour découvrir et réagir à une oeuvre d'art accessible et facile à décrire et à décrier

Le mythe de l'artiste maudit lui colle à la peau. Amedeo Modigliani est mort jeune. Il a eu une vie douloureuse et une fin plus pathétique encore. Il y a sa légende d'alcoolique tuberculeux aux colères terribles et aux amours passionnées. Il y a son destin tragique qui l'a entraîné de chute en échec vers une déchéance misérable, vers la mort. Il portait la poisse à ceux qui l'approchaient : le lendemain de sa mort, sa compagne, Jeanne Hébuterne, enceinte de huit mois, se suicide en sautant du cinquième étage, laissant une petite Jeanne orpheline. Ce drame a bouleversé et forgé la légende : ce bel ange déchu ne pouvait qu'être un grand peintre. Ses toiles, en effet, seront adulées du grand public (tout particulièrement des Japonais qui en raffolent). Mais elles seront considérées avec condescendance par les historiens de l'art : Modigliani, comme la quasi-totalité des peintres de l'école de Paris à laquelle on le rattache, n'a joué aucun rôle dans l'évolution de l'art moderne. Le voilà étiqueté : Modi est un peintre « facile ». A Madrid, l'actuelle exposition de la Fondation Thyssen, en confrontant Modigliani à ses contemporains, tente de redonner sa juste place à l'artiste à contre-courant des modes.

La vie de peintre de Modigliani fut brève. Brève mais intense. Il est arrivé à Paris en 1906. Il est mort par une froide matinée de janvier 1920 à l'hôpital de la Charité. Quatorze années, ce n'est pas beaucoup lorsqu'on débarque à Paris à 22 ans, à peine sorti de la Scuola di Nudo Libero de Florence, avec un détour par Venise. Surtout lorsque la maladie s'en mêle, une tuberculose qui ne lui laissera aucune chance, et que s'y ajoutent l'alcool et la drogue. A Paris, il s'installe à Montmartre, près du Bateau-Lavoir. Modigliani ne louche pas vers l'avant-garde. Bien au contraire : il pastiche successivement Steinlen, Toulouse-Lautrec, les néo-impressionnistes. A l'époque, il est pourtant en contact quotidien avec Picasso et sa bande, il va assister « en direct » à la naissance du cubisme. Cela ne semble pas l'avoir exalté, ni même intéressé. En fait, il ne se mêlait guère aux autres artistes. Les concepts intellectuels en peinture ne devaient pas le passionner et pas davantage l'idée de faire partie d'un groupe. Toute sa vie Modigliani sera un artiste solitaire, il se débat seul avec ses chimères et se perd dans le labyrinthe de ses tentatives réussies ou avortées. Ses amis à lui, ce sont Utrillo, Soutine et Kisling. Il y avait entre eux une fraternité de paumés, de laissés-pour-compte, d'ivrognes, mais aucun de ces échanges intellectuels comme il y en eut tant entre Derain et Matisse, ou Picasso et Braque.

Fin 1909, Modigliani quitte Montmartre pour s'installer à Montparnasse, cité Falguière. C'est là qu'il va faire la connaissance d'un jeune sculpteur roumain dont on commence à parler beaucoup à Paris, Constantin Brancusi. Sous son influence, Modi délaisse un temps la peinture pour la sculpture. Il va créer d'étranges statues hiératiques, sortes de cariatides aux têtes oblongues, aux nez rectilignes et aux yeux allongés. Des 25 sculptures en pierre que compte son oeuvre, nous n'en voyons que quelques-unes à l'exposition mais accompagnées d'étranges et beaux dessins préparatoires. On le sent ici influencé par l'art africain que tous les peintres, Matisse et Picasso en tête, découvrent alors et avec lequel Modigliani est en contact grâce à la collection de son ami et mécène Paul Alexandre. Mêlé à l'influence de Brancusi, c'est à l'art baoulé de la Côte d'Ivoire que Modigliani va emprunter ses élégantes déformations, qui nous apparaissent aujourd'hui comme la marque même de son style : figures de femmes au cou de cygne, yeux bridés en amande sous des sourcils fortement arqués au-dessus de la ligne longue et droite du nez, obsession de l'ovale. Ces manies se font plus discrètes quand Modigliani s'attaque à un modèle masculin (visages de Soutine, de Kisling, de Zborowski, de Juan Gris, de Max Jacob). Quand il reviendra à la peinture, ses portraits seront une transposition de ses sculptures des deux années précédentes.

De 1910 à 1913, Modigliani ne peindra que 10 toiles (et pas une seule en 1912). Cette période est pourtant la plus maîtrisée, la plus inventive de sa carrière. C'est aussi celle de sa liaison avec Béatrice Hastings, une poétesse anglaise, alcoolique et désaxée : on les appelle les amants terribles de Montparnasse. Leurs disputes, leurs hurlements quand ils rentrent saouls, exaspèrent les voisins. D'elle, il va laisser des portraits où il semble se répéter. Pourtant, malgré leur similitude un peu agaçante, on ne peut qu'être frappé par l'élégance de ces toiles. Berthe Weill lui organise une exposition. Qui tourne mal : ses nus, aux contours mélodieux, d'une délicate teinte abricot, font scandale. Le commissaire de police du quartier demande qu'on les retire de la vitrine pour offense à la pudeur. Quand Modigliani quittera Béatrice pour Jeanne Hébuterne, une douce et timide jeune femme surnommée « Noix de coco », il abordera la période la plus tendre de son existence. Mais sur le plan artistique, l'état de grâce est fini. Il faut être poète, comme Le Clézio, pour trouver encore quelque magie à cette suite d'effigies répétitives : « Modigliani est, avec Gauguin et Van Gogh, l'un de ces peintres qui se sont approchés au plus près de la source de l'art, qui est magique et rituelle... Il y a l'âme du chaman dans ce juif italien séduisant et ténébreux. »

C'est joliment écrit, mais c'est faux. Modigliani est un artiste singulier, mais bien autrement qu'on ne l'a dit. Ce n'est pas sa vie hantée de prince ivrogne, usé par la drogue, consumé par la misère qui fait de lui un « artiste maudit », c'est sa peinture trop facile, trop conventionnelle, trop répétitive, placée résolument en marge des grands problèmes de l'art de son temps. Le manque d'intérêt de Modigliani pour les recherches picturales qui ont marqué son époque le condamne à s'attarder dans des formules interchangeables qui le désignent comme un peintre secondaire. Sa dernière oeuvre sera un autoportrait : on y voit Modigliani qui prend la pose, la tête rejetée en arrière, la palette à la main. Mais le regard est vide. Un adieu pathétique.
Véronique Prat
Article et source lefigaro.fr
Pour agrandir la photo | source wikipedia

Comment réagiraient des extraterrestres s'ils étaient envoyés sur Terre et se retrouvaient nez à nez avec des oeuvres d'art contemporain, se demande une exposition iconoclaste qui s'ouvre jeudi à la galerie du Barbican à Londres.

Selon les commissaires de l'exposition, baptisée "Musée martien d'art terrestre", le recours aux extraterrestres permet d'interpréter des oeuvres contemporaines sans le carcan de l'histoire de l'art.

200 oeuvres --dont des sculptures, des vidéos, des photographies et des tableaux-- sont exposées, allant des années 1960 à nos jours. Près d'une centaine d'artistes sont présents, parmi lesquels l'Américain Andy Warhol, la plasticienne française Annette Messager ou le Britannique Damian Hirst, l'artiste contemporain le plus coté sur le marché de l'art.

Une dizaine d'oeuvres sont exposées pour la première fois et ont été créées à cette occasion.

"L'idée de présenter l'art contemporain en prenant le point de vue des Martiens est née du livre +Kant après Duchamp+ de Thierry De Duve, historien de l'art" a expliqué à l'AFP Lydia Yee, l'une des commissaires. "Cette exposition repose sur un concept sérieux et en même temps nous voulions faire quelque chose de ludique", a affirmé Francesco Manacorda, autre responsable de l'exposition.

L'artiste américaine Sherrie Levine réserve un hommage à l'artiste français Marcel Duchamp avec sa "Fontaine:5" (1996) en bronze, identique à l'urinoir. La sculpture en néon de Bruce Nauman représente son propre nom "comme s'il était écrit à la surface de la Lune", selon le titre de l'oeuvre.

Entre 20.000 et 55.000 visiteurs sont attendus pour cette exposition, qui se tient du 6 mars au 18 mai 2008.

Une oeuvre de l'artiste Matthew Day Jackson intitulée "Apollo (After Beuys)", exposée à la galerie Barbican à Londres, le 5 mars 2008

Source AFP GOOGLE

Associer des faits autobiographiques à la vie politique environnementale sans pour autant prétendre à une analyse contradictoire à la recherche d'explication rationnelle. Une peinture, une cohésion, une construction d'un socle, d'un habitat figuratif à la recherche d'une refonte de la figuration dans l'abstraction au travers de portraits abstraits, de féminité, de pureté, de pigments masculins, de flou, de velours, de détails voilés de la vie ...

Pour découvrir cette refonte entre figuration et abstraction [ Abstraction ]

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Ses créations, typiquement chinoises, montrent des groupes familiaux clairsemés, fagiles et délicats, et illustrent parfaitement les traces que la Révolution Culturelle a laissées sur sa génération. Les personnages ont une présence indéniable, presque inquiétante. Ces oeuvres s'inspirent de l'uniformité imposée à l'époque qu'elles évoquent, et pourtant rendent sensibles l'univers intérieur occulté par l'apparence humaine. Le non-dit est là, égnimatique, se laissant à peine deviner derrière ce visage au regard fermé, évocateur d'histoires individuelles demeurées cachées.
Les personnages sont reliés par un constant fil rouge, lien de sang de cette lignée qui se rejoint ou prend sa source à la cité interdite comme la Clef de voute de la société chinoise.

Source et image de cet article galerieloft.com

Témoigner  en son âme et conscience d'un engagement si fort qu'il en devient une évidence, une nécessité absolue et universelle. Cet engagement pour le respect de notre planète doit prendre une dimension personnelle et spirituelle dans notre vie. La collectivité devrait instaurer un enseignement plus approfondi de notre chère terre et surtout de l'avenir que nous voulons lui donner. De l'avenir que nous voulons laisser au génération du futur. Croire en notre planète sera peut être notre paix religieuse, capable d'unir chacun de nous devant une responsabilité collective à vivre d'urgence dans notre quotidien.

Pour découvrir ce triptyque

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Les tableaux saturés d'allusions à la photographie des années 1960 côtoient des abstractions gestuelles, les monochromes gris sont au contact des toiles au chromatisme le plus intense, les portraits jouent avec les paysages. Jouent : le sentiment qui naît de la visite n'est pas celui d'une leçon d'histoire, encore moins d'une célébration solennelle, mais du plaisir de faire de la peinture de toutes les manières.

On est ici loin de l'image de l'artiste, celle d'un théoricien, taciturne et peu communicatif. Richter nous a reçus à Baden-Baden. On est frappé par ses yeux : très bleus, très clairs, très grands. L'artiste a lui-même assuré le commissariat de l'exposition. De là le désir de s'en expliquer avec lui, devant ses toiles.

Vous êtes le commissaire de votre exposition. Est-il facile d'être son propre historien ?
La question ne se pose pas en ces termes. L'exposition est faite avec des toiles venues de collections privées. J'ai agi sur leur accrochage, pas sur leur choix. Si l'ordre chronologique n'est pas respecté, c'est en raison des tailles des salles et de celles des toiles, mais c'est aussi parce que je voulais un accrochage esthétique et non didactique, en jouant avec l'architecture. Et que chaque salle soit comme une histoire, pour qu'un sens puisse s'en dégager.

C'est ainsi que vous placez côte à côte une femme nue peinte en noir et blanc, Olympia, et une toile abstraite de même format, elle aussi en noir et blanc.
Ce sont simplement deux tableaux qui se rapprochent. Le spectateur, les voyant ensemble, peut être aidé par le gris et le format à aller dans le sens de ce rapprochement. Sinon...

Sinon, il ne comprend pas cette diversité, cette peinture tantôt abstraite et tantôt figurative.

" Saul Leiter a réalisé ses premières photographies au début des années 1940 dans les rues de New York. Ce travail fut montré au Musée d’Art Moderne de New York en 1953 et en 1957. Pendant 20 ans il continua d’arpenter les rues, et son travail fut redécouvert bien plus tard, au milieu des années 1990. Il est aujourd’hui unanimement célébré. La Fondation HCB est heureuse de présenter pour la première fois en France une rétrospective de son oeuvre couleur et noir et blanc.

Saul Leiter n’était pourtant pas voué à devenir photographe. Né à Pittsburgh en 1923, fils d’un rabbin renommé, brillant étudiant en théologie à Cleveland, il décide à l’âge de 23 ans d’abandonner ses études et de s’installer à New York pour se consacrer à sa passion première – la peinture. Sous l’influence notamment du peintre Richard Pousette-Dart, il commence à s’intéresser à la photographie. En 1947, après avoir visité l’exposition de Cartier-Bresson au MoMA, il décide de devenir photographe. Il se procure un Leica et flâne dans les rues de New York, qu’il photographie dans un premier temps en noir et blanc. En 1948, il se tourne vers la couleur, et il alternera désormais entre les deux supports. En 1953, Steichen, alors conservateur en chef de la photographie au MoMA, sélectionne vingt-cinq de ses tirages noir et blanc pour l’exposition «Always the Young Stranger», puis en 1957, intègre une vingtaine de ses images couleur pour une conférence qu’il donne au MoMA : «Experimental Photography in Color».

Si ses photographies de rue sont aujourd’hui l’objet de sa renommée, Saul Leiter s’est pendant de longues années illustré en tant que photographe de mode : il y consacra la plus grande partie de sa carrière - de ses débuts en 1953 dans son studio de Bleeker Street, au milieu des années 1980. En 1957, Henry Wolf, directeur artistique légendaire, publia pour la première fois ses images dans le magazine Esquire, puis dans Harper’s Bazaar. Il devint dès lors l’un des grands photographes du milieu et travailla pour les magazines de mode les plus prestigieux.

Son travail de rue, plus personnel, n’a été redécouvert qu’à la fin des années 1990, grâce notamment à la Howard Geenberg Gallery (New York) qui organisa en 1993 une exposition de ses photographies noir et blanc, et à Martin Harrison, auteur en 2006 du premier ouvrage de Saul Leiter, « Early Color » (Steidl). La Howard Greenberg Gallery a depuis présenté maintes fois son travail, qui a acquis ces dix dernières années une sérieuse notoriété.

La Fondation HCB présente une centaine d’images couleur et noir et blanc réalisées de 1947 à la fin des années 1960, pour la plupart des tirages d’époque - les épreuves noir et blanc ont été réalisées par Saul Leiter lui-même - empruntés à la Saul Leiter à la Fondation HCB, 2 impasse Lebouis, 75014, Paris, 17 janvier – 13 avril 2008 – www.henricartierbresson.org 4 Howard Greenberg Gallery, et à des collections privées. Les deux univers, distincts et complémentaires, sont exposés séparément. Les noir et blanc, parmi lesquelles ses premières images, ont toutes été réalisées dans les rues de New York. Elles montrent des silhouettes en transit, des ombres, visions mystérieuses et indirectes entre romantisme et film noir. En couleur, à New York surtout, mais aussi à Paris, à Rome ou en Espagne, les tons, à la fois vifs et déteints, l’absence de contours stricts, font de ses photographies des oeuvres plastiques dans l’esprit des peintres Bonnard ou Vuillard, qu’il admire.

Saul Leiter a saisi un entre-deux-mondes délicat à mille lieux de la jungle urbaine qui lui servait de sujet. Un monde flottant, embué, dans une succession infinie de mises en abîmes, tendant volontiers vers l’expressionisme abstrait de ses peintures. Ses images métamorphosent la réalité pour créer un univers à la fois poétique, onirique et apaisant, sur lequel plane la douceur de la mélancolie.

Saul Leiter vit toujours à New York, où il continue de peindre et de photographier, dans la plus grande discrétion. " catalogue publié par Steidl : 100 images couleur et noir & blanc, 144 p., 30 € visuels libres de droit : pauline.vermare@henricartierbresson.org 

Dossier de presse et Source http://www.henricartierbresson.org
New York, 1954
© Saul Leiter / courtesy Howard Greenberg Gallery

Petite Bio sur Alberto Giacometti | Lors de la déclaration de la Seconde Guerre mondiale, il quitte Paris pour Genève. Ne disposant d'aucun atelier, Giacometti réalise des sculptures « semis » pouvant se ranger dans une grosse boîte d'allumettes. À la Libération, il revient à Paris avec Annette Arm (ils s'épouseront en 1949), retrouve son atelier, et ses sculptures « semis », sorties de leur boîte, croissent « naturellement ». À la recherche de la « vraie réalité », il dépouille ses personnages, les réduits à l'essentiel, les rend filiformes. Passant des heures dans son atelier à retoucher sans cesse le morceau d'argile auquel il ajoute de la matière pour mieux la creuser et en retirer le superflu (« Je ne dessine pas l'œil, je sculpte le regard »), au point que parfois, ses amis lui soustraient une œuvre qu'ils considèrent comme achevée quand Giacometti pense qu'il doit la recommencer.

Ce n'est qu'en 1947 qu'il montre ses dessins et ses sculptures ; effigies nues, allongées, étirées, creuses : Femmes de Venise, Homme qui marche...

À la fin de sa vie, Giacometti juge sévèrement sa période surréaliste. Il la considère comme « catastrophique, une impasse totale » et dénie à ses objets la moindre valeur. Alberto Giacometti meurt des suites d’un cancer à l’hôpital cantonal de Coire, en Suisse, le 11 janvier 1966. Son corps sera transféré à Borgonovo, dans le caveau de famille. Après une rétrospective en France au musée d’Art moderne de Paris en 1991, une exposition est actuellement visible au Centre Pompidou à Paris.

Citation

« Jusqu'en 1925, malgré mon intérêt pour l’art moderne, ce qui m’intéressait c’était la vision du monde extérieur. En 1925, je me suis rendu compte qu’il m’était impossible de reproduire une tête influencé par l’art moderne, j’ai subi une évolution. J’ai été successivement exotique, surréaliste, abstrait. En 1935, ayant tout oublié, j’ai éprouvé le besoin de faire des études d’après nature. »

Source wikipedia

Pourquoi une telle négligence, impensable sous l'oeuvre de la Joconde ?
- Un manque de moyens : impensable aux prix actuels des oeuvres d'art contemporains exposées au centre Pompidou de renomée internationale.
- Un laisser-aller : je n'ose croire que le responsable de cet étage ne soit un spécialiste et passioné fier des oeuvres qu'il expose, alors qu'il change de lunettes ou qu'il démissionne !

Plus sérieusement, je suis étonné de cette différence d'ambiance qui peut exister entre des oeuvres d'art contemporain et d'autres modernes ou plus anciennes. Le calme et la vigilence donne de la crédibilté, mais disparaissent au fur et à mesure que nous approchont d'oeuvres de notre temps ... Les parents laissent toucher, marcher leurs enfants sur les oeuvres sans que ces chers gardiens ne prennent la peine d'arrêter leur i-pod ou discussion sur "la dernière attrappée hier soir"

Alors pas étonnant que nos parents qui prennent la peine de passer 12 min à cet étage, n'est qu'un mot à la bouche : "alors ça, je fais pareil !"

Pour donner une crédibilité non élitiste aux oeuvres actuelles, cessons ces "laisser-aller" en tous genres ...
Ludovic Mar

(Unwinding) Corridor est exposé au niveau 4 du Centre Georges Pompidou à partir du 16 octobre 2007.

(Unwinding) Corridor est une succession de cinq cadres en néon blanc articulés entre eux, se déployant dans l’angle d’un mur et se détachant d’un fond monochrome noir. Cette construction utilise les matériaux fondamentaux que sont la lumière et la peinture pour occ uper l’espace de manière concrète et intangible à la fois. La morphologie de l’oeuvre change suivant les points de vue et le déplacement du spectateur. Prémices d’une maquette d’architecture en devenir ou bobine syncopée d’un film dont seule subsisterait la matrice, cette installation constitue également une tentative de réalisation d’un tableau-paysage.

La paintingBOX véritable boite en carton servant de [ BON pour cadeaux ] reste une valeur originale d'un cadeau réussi, il vous suffit de venir la chercher, de fixer le montant de votre cadeau ... PUIS de laisser la personne venir choisir son tableau sur mesure ...

L'artiste peintre ludovic mar vous invite à venir acheter les tableaux [ modernes contemporains abstraits originaux uniques et sur mesure ] qu'il a peint pour vous ou pour offrir comme cadeauxl ou pour décorer votre maison avec des couleurs chaudes ...

Une nouvelle série de tableaux [ Portrait urbain ] paysage de ville pour tableau abstrait mais contemporain ... Des oeuvres à voir à vendre et à acheter à l'exposition de la galerie d'art contemporain aromda l' abstrait sur mesure ...

Urbanisme | Art de construire, de transformer, d’aménager les villes au mieux de la commodité, suivant les règles de l’esthétique et de l’hygiène.

Portrait | Description qu’on fait de l’extérieur ou du caractère d’une personne.

Voir l'exposition DES oeuvres [ Portrait urbain ] à voir à vendre et à acheter ...

Le passage du blanc de la matière vers la couleur la densité ...
Une séparation et un lien : le peintre
le peintre et sa galerie
le peintre dans sa galerie
le peintre vers sa galerie
la galerie d'un peintre

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Un format 100x100 cm Un travail à l'huile sur des nuances de gris beige crème puis après cette mise à nue des couleurs, un voile acrylique de blanc pour retenir cette pudeur d'une ville humaine perchée sur son socle comme pour se protéger de ses habitants sans pour autant oublier cette douce brume du matin qui laissait apparaître cette envie de construction infinie ...
Ludovic Mar

Pour découvrir ce tableau [ ville humaine ]

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Une série de tableaux [ Contemporain contre Contemporains ] stratégie de matières et de symboles mixtes ... Des oeuvres construites dans un style de photographie aléatoire et intuitive d'une position stratégique d'un jeu où chaque symbole simple se place dans le tableau avec un positionnement instantané de son reflet de matière ...

Exposition des oeuvres de cette SéRIE

Un homme en marche sur le destin de sa vie d'artiste peintre, un artiste dans la peinture de son reflet sur la toile figurative et pourtant si abstraite, un tableau rouge à la recherche de contrastes de couleurs prune carmin orange rose mélangées d'un flou entre ombre et lumière ...

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